Современный вид искусства – это какой? Произведения, созданные в текущем веке или в текущем десятилетии? Однозначного ответа нет. Одни исследователи относят к этой категории произведения за последние сто лет, другие – пару десятков. При любом подходе актуальны реплики обывателей: «Мой ребёнок нарисует лучше», «Так-то и я могу, почему это столько стоит?», «Это детские каракули или известный художник?»
Чтобы понимать «каракули» и другие проявления популярного сегодня мастерства, нужно постараться посмотреть на привычные вещи под другим углом. Позволить своему восприятию сначала чувствовать, а только потом анализировать. В таких произведениях действительно достаточно абстракции и экспрессии. Но это явление возникло не на пустом месте, оно – плод прогресса и времени.
Трансформация мира творчества
Традиционную живопись изменило появление фотографии и активное развитие киноиндустрии. В конце XIX и начале XX века привычные каноны и нормы уходят на второй план, мгновения реальной жизни стала отображать фотография. «Кадры» жизни теперь запечатлевали фотографы, а не художники. Живопись пережила кризис, а затем обрела новую миссию: передавать идеи и ценности времени разными способами.
В этот период появились новые направления: постимпрессионизм, примитивизм, кубизм, футуризм, супрематизм, абстрактный экспрессионизм, поп-арт, минимализм, концептуализм, постмодернизм.
Интересно, что любой вид творчества, который сейчас мы называем классическим, в момент появления был современным. А современное нам, возможно, позже станет классикой и будет называться традиционным.
Яркий пример произошедшей трансформации – произведение Сальвадора Дали «Постоянство памяти» (1931 год). Его также называют «Мягкие часы», «Утекающее время» или «Твёрдость памяти». Оно транслирует идею о том, что время перестало быть линейным и воспринимается то текучим, то застывшим в причудливой форме.
Следующее большое изменение случилось благодаря новым технологиям. Последние десятилетия приносят художникам инструменты, которые в прошлом и представить нельзя было. Виртуальная реальность, искусственный интеллект, цифровые возможности позволяют создать не просто рисунок на плоскости, а целый проект. Объёмный, интерактивный. К средствам живописи добавляются видеоарт, инсталляция, перформанс. И получается проект со множеством граней и смыслов.
Один из примеров – картина Бэнкси «Девочка с воздушным шаром». В её раму художником был встроен шредер. И когда в 2018 году полотно было продано на аукционе, кто-то запустил потайной шредер прямо в торговом доме. Достоверно неизвестно, кто именно это был, но шредер частично порезал полотно. Целой осталась верхняя часть с изображением воздушного шарика, а нижняя оказалась изрезанной на полоски.
Интересно, что стоимость произведения от этого не упала. Спустя три года после первого аукциона состоялся второй, и полотно продали в четыре раза дороже. Заодно заменили ей название. Теперь столь экстравагантно прославившаяся картина называется «Любовь в мусорном баке».
Творчество меняется, подстраиваясь под новые реалии. Но его восприятие людьми тоже не статично. Люди начинают иначе смотреть на произведения, появляются другие ожидания. И всё-таки этот процесс более медленный, инерционный.
Признаки современного искусства
Сегодняшние произведения могут обескураживать, вызывать недоумение и пожимание плечами. Частая реплика людей: «Я такого не понимаю». Но понять можно, и для этого достаточно знать основные принципы. Но понять – не значит полюбить. Это значит разглядеть идею автора и способ её воплощения. А это уже позволяет посещать выставки с бо́льшим удовольствием и даже находить своих фаворитов.
Основные принципы современного искусства
Главный принцип (или даже принципиальность) – это уход от традиционных форм и рамок. В чём он выражается:
- абстрактные формы;
- смелые цвета и их сочетания;
- нетрадиционные, порой неожиданные материалы;
- эксперименты во всём: с предметами, методами, техниками и даже способом демонстрации зрителям;
- вызов зрителю, провокация эмоций и ответной реакции, пусть даже негативной;
- акцент на индивидуальность автора.
Сегодня творческие люди используют мастерство как средство самовыражения. Поэтому для них главное – не каноны, не техника, а возможность проявить лично себя. И в этом процессе лучше себя познать.
Основные направления
Направлений множество, постоянно появляются новые. Но вот те, что наиболее популярны в музеях и галереях.
- Абстракционизм. Зародился в западных странах в ХХ веке. Это был вызов действительности, реализму и всему привычному. Художники стали изображать идею в виде точек, пятен, линий и плоскостей разных цветов. Примером служат работы В. Кандинского, К. Малевича, В. Татлина.
- Сюрреализм. Первые произведения в этом стиле создал Сальвадор Дали. Особенность направления в том, что предметы изображают деформированными, не такими, какие они есть на самом деле. Ощущение от произведений: как будто это сон, то, что не контролирует разум. Сюрреалистичное происходящее притягивает и отталкивает одновременно. Примером служат работы Рене Магритт.
- Инсталляция. Это создание композиции из разных материалов, готовых форм и предметов (бытовых, промышленных, природных). Композиция должна представлять собой единое целое и доносить до зрителей мысль автора, какую-либо метафору или философскую идею. Инсталляция может занимать целые залы на выставках и формировать интерьер. Вещи в инсталляции часто играют символическую роль, а не практическую.
- Поп-арт. Переводится как «общедоступное искусство». Появилось это направление как замена непонятного людям абстракционизма на всем доступный реализм. Пусть и несколько приукрашенный, романтизированный. Обычную вещь массового потребления поп-арт изображает как привлекательную и всеми желанную. Примером служат работы Р. Гамильтона. В целом, стиль похож на рекламные плакаты.
- Диджитал-арт. Цифровой арт. Сюда относятся произведения, созданные с помощью компьютерного алгоритма. Это и компьютерная графика, и арт с технологией дополненной реальности, и созданные искусственным интеллектом изображения.
- Оп-арт. Оптический арт. Авторы создают зрительные иллюзии, сочетают объёмные и плоские фигуры так, что возникает ощущение движения или неустойчивости. Художник использует повтор, задаёт фигурами ритм, играет оттенками, спиральными и решётчатыми пересечениями линий. И так получает нужный эффект объёма и «оживания» шедевра.
- Фотореализм (или гиперреализм). Это когда картину сложно отличить от фотографии, когда окружающий мир изображён гипер- или сверхреалистично. Делается это для усиления восприятия, более острого чувствования человека, техногенного мира или привычных предметов. К этому же направлению относятся выставки полимерных фигур людей, которые почти не отличишь от живых.
- Энвайронмент. Основная идея – чтобы произведение (чаще архитектурное) гармонично вписывалось в окружающую среду. Подчёркивается единство городского мира и природного. В качестве материалов используют обычно натуральные: дерево, землю, уголь, камни.
- Стрит-арт. Уличный арт, творчество в условиях города. Это изображения, скульптуры, инсталляции, графика. Самое популярное – граффити – небольшие рисунки или целые композиции на стенах. Фасады высоток, бетонные арки зданий, стены гаражей – любые подходящие поверхности. Одни используют трафареты, другие рисуют без заготовок.
- GPS-рисование. Необычное направление арта: художники создают рисунок на карте, а затем идут или едут по выстроенному треку. Авторы рисунков могут передвигаться пешком, либо на автомобиле, велосипеде или самокате. Весь путь на карте записывается с помощью приложения на телефоне или «умных» часов. Подобным рисованием увлекаются чаще не художники, а спортсмены. Сложность рисунков разная: от простых геометрических фигур до портретов!
Хотя сегодняшний арт выступает против рамок и правил, у каждого жанра есть свои законы. Просто рождался он как протест против уже существующих. Общее представление об основных направлениях и их приметах позволяет на выставках чувствовать себя более-менее подкованным. А если вооружиться инструментами для понимания «что хотел сказать автор», то по галерее и вовсе можно ходить с видом знатока.
Способы понимания
Понимать такие шедевры реально. И для этого не нужно становиться учёным. Для начала можно приучить себя отвечать на несколько вопросов. Стоя перед очередным произведением, постарайтесь честно ответить на них.
- Что здесь изображено?
- Что я чувствую?
- Что общего у этого произведения с классическими?
Кроме вопросов к себе и анализа собственных ощущений, помогут три приёма:
- задавать вопросы экскурсоводам или смотрителям выставки,
- читать поясняющие таблички,
- планомерно расширять общекультурный кругозор.
Книги для лучшего понимания и советы авторов
Есть замечательные научно-популярные книги на тему понимания популярных сегодня произведений. Приведём пять самых популярных.
Уилл Гомперц «Непонятное искусство»
Автор советует смотреть на произведение через исторический контекст. Сегодняшний стиль отражает то, что происходит здесь и сейчас. Это может быть реалистичное изображение или искажённое, переданное сквозь восприятие другого человека и его опыт. Мы видим событие и отношение художника к нему. Поэтому нужно знать, что это за события, что происходило, какой была реакция общества – то есть знать историю. По мнению автора книги, важным является также принятие того факта, что невозможность понять произведение и невозможность его объяснить – это нормально.
Оссиан Уорд «Искусство смотреть. Как воспринимать современное искусство»
Уорд с предыдущим автором не согласен. Он предлагает воспринимать полотно с чистого листа, вне исторического контекста. Сначала прислушаться к своим ощущениям, понять собственное впечатление. Суметь так посмотреть на произведение, словно впервые видишь что-то подобное. Умение терпеливо всматриваться, находить ассоциации – это главное. И только после этого этапа Уорд предлагает узнать бэкграунд художника. Не весь исторический контекст, а только биографию самого художника, его путь и мировоззрение. Уорд считает, что от зрителя требуется не просто созерцание (молча и на почтительном расстоянии, как в случае с классикой), а живое участие в произведении.
Сергей Гущин, Александр Щуренков «Современное искусство и как перестать его бояться»
Коллекционер и художник говорят о преодолении страха признаться в своём непонимании или незнании. По мнению авторов, именно этот страх является причиной нелюбви к современным мастерам. Поэтому они предлагают справиться с этим страхом при помощи вопросов.
- Что я вижу? Как это описать?
- Из каких материалов и в какой технике это сделано?
- Какие эмоции вызывает во мне эта работа?
Ответы на эти вопросы приближают к пониманию конкретного произведения.
Ан Кён, Черази Джессика «Кто боится современного искусства?»
Британские кураторы и искусствоведы не дают советов, зато отвечают на множество «претензий» публики к сегодняшнему арту. Почему так дорого? Зачем нужны кураторы? Чему учат студентов в художественном вузе? На эти и другие вопросы можно найти ответы в книге.
Саймон Морли «Семь ключей к современному искусству»
Художник Морли поделился своей техникой восприятия. Она заключается в том, чтобы рассматривать произведение с семи разных сторон.
- Историческая. Зная, что было до, можно сравнить его с тем, что есть сейчас. Как известно, сравнение нового и старого – хороший способ лучше изучить новое.
- Биографическая. То, как живёт автор (в каких обстоятельствах и окружении), во многом отражается в его работах.
- Эстетическая. Как объект выглядит визуально, какие вызывает эмоции.
- Эмпирическая. Какой опыт проживает зритель рядом с объектом или какой опыт вспоминает.
- Теоретическая или философская. Какую идею транслирует произведение, какие ценности и философию.
- Скептическая. Если объект популярен, если его высоко оценили критики и творческие деятели, это не значит, что каждый человек должен испытывать такой же восторг и разделять мнение большинства.
- Рыночная. Объект творчества находится внутри экономической системы. В условиях рыночной экономики этот аспект упускать нельзя.
Последний пункт в меньшей степени относится к простым обывателям и зрителям. Скорее, это для владельцев галерей, организаторов выставок, коллекционеров и других профессиональных ценителей. Зато шесть остальных пунктов – вполне рабочие инструменты. Они подсказывают, на что обратить внимание в объекте изучения и в собственных впечатлениях.
6 лайфхаков для похода на выставку
Если читать специальные книги времени и желания нет, а немного разбираться в прекрасном хочется, то вот шесть простых способов «прокачаться» в этом.
- Ходите на открытие выставок. На открытии часто бывают сами авторы, они как никто интересно расскажут о своих произведениях. Кроме того, это возможность уточнить что-то у первоисточника, пообщаться и узнать биографию.
- Смотрите дольше. Не скользите взглядом по полотнам, словно прогуливаясь и оглядывая окрестности. Остановитесь. Обратите внимание на детали, оттенки, год создания, фактуру.
- Учитывайте контекст. Подумайте о времени создания произведения: какие происходили события, как они могли повлиять на мастера.
- Подключайте воображение. Важно не «что хотел сказать автор», а «что я услышал».
- Соотносите со своим опытом. Проводите аналогии, придумывайте ассоциации. Устанавливайте с полотном (или другим объектом) свою личную связь.
- Идите не в одиночку, а с экскурсоводом. Будьте активным слушателем: уточняйте, спрашивайте, общайтесь. Увидев ваш интерес, он расскажет больше «живых» деталей.
Если вы придёте на выставку с таким настроем, с желанием узнать и понять, то уйдёте с чувством удовлетворения и новыми знаниями. И к оценке добавятся объективные доводы. А если и субъективные, то осознанные и убедительные.
Фото на анонс и заглавную: Shutterstock / FOTODOM
